Advanced Techniques

How many people are we expecting today's? You know, I mean, this is producer centric. I think we could expect a few more. We have nine here.
Okay, let's give it like another minute or so and we'll get to it. Can everybody see what I'm sharing here? Yes. Okay, perfect.
Cool. I'm not going to be able to do too much live mixing today because I would need to get everybody on audio movers, and that could take up most of our time. So we'll do like a live mixing session or a video, whatever is easiest.
But today I wanted to go over and talk about a bunch of plugins that I like to use, show you kind of how I put them in the chain and what order I use them in, things like that. And this will be very helpful for you guys to go and take into your workflow. So basically, these plugins I'm about to show you are plugins that are inserted directly on the vocal tracks.
So lead one, it could be your chorus, it could be your verse, whatever it is, these are the plugins I put directly on. So auto tune is huge, obviously, in everybody's workflow. So questions that people always ask me are, how come I always have so much latency when I try to use autotune pro? So basically, if you hit this classic button right here, it'll put in a low latency mode, which is also in this menu you can see.
So always doing that, that helps a lot. Then when I'm working in autotune, I always use the advanced view, which is right over here. That way I can set my key and actually add notes for harmonies and things like that.
So sometimes singers like, hey, I'm not hitting this one note. You might have a borrowed chord in a scale or something like that. So this is a very important window that I like to work in.
Yes. Does anybody have any questions about autotune, if you guys have any issues with it? Or have you ever dealt with latency? Things like that. So then next into my chain here, I use fab filter pro q three.
What I'm doing with this after is actually just trying to use this as almost a deesser. So around eight, between like seven and ten k is usually where I kind of just do the dynamic compression on that, and it just goes ahead and it basically just will take the S's and just kind of crush it a little bit. Is it possible to all share this presentation with us via email? Yes.
Everybody will get a copy of this as well. Okay, so then moving into my chain, I do the ClA 76, just a nice classic compressor from waves. All these settings are things that this is like.
I've taken this directly from a mix. So these are good settings to kind of run with. Feel free to try them out.
Following that, I do the waves c six more of a dynamic kind of compression situation. This is awesome just to kind of tame some harshness or bring out some nice tones that you like in a vocal. Then following that, I run into a avid poltech.
This is Stargate, and we love this plugin. What's going on, man? So, yeah, we use this to boost a lot of the high end, as you can see here. So I'm doing about twelve k, boosting about five.
It just adds a little bit of that vocal sizzle. So does anybody have any questions about some of the plugins I put directly on the track itself? Just a quick question. Why put it on the track itself? What's the difference? So the reason why I do that is because sometimes people want to have.
It gives me more control between the lead and the pre and the chorus. So maybe you want the course to be a little more crunchy or things like that. I like to have plugins ready to go individually, so I can do whatever the artist is asking for at that time.
Maybe they don't want the verse as bright. Maybe they want the verse to feel a little more like mid range, kind of on the lower side. And then maybe where they want the pre to have that sizzle.
And so then I'll adjust accordingly. So if it's going on all vocal bus, then everything I do is doing it to all the vocals. So pretty much to answer that, it's just more control.
Got it. Thank you. Yes.
Any other questions on these plugins at all? Sweet. Okay, so then we'll get to the all vocal bus. So this is now where all of those lead tracks and backgrounds, everything will come be consolidated to this one bus.
So on this bus, I love to use the UAD, the SSLE channel, and these are settings that I basically do. So I'm doing a little bit of high boosting, just a tiny bit. This plugin is really touchy.
I usually insert the bell so it's a little more narrow. And I'm boosting about 14 to give a little bit of that vocal presence as well. In the mids, I'm kind of like the high mids.
I'm getting rid of some of the harshness that kind of sticks out where the s's live, stuff like that. And I'm just taking that down just a little bit. And then I'm boosting some more of the low mids to kind of make the vocal feel a little more full.
And make sure you always have your EQ in here. Sometimes I'll do pre dynamics, which will put the EQ before the dynamics, but I am using the compressor in as well on these. On my vocal bus, I do about a five to one ratio, and you can see all these settings.
I would put them in if you have this plugin and just kind of see what it sounds like and what I'm doing with it. But, yeah, I love this plugin. This plugin sounds great.
And then following that is a UAD distressor. So I do this to give grit to my mixes. It adds a little bit of warmth as well.
I'm only doing four to one, and I'm not doing too much input, as you can see. So on this, I'm usually looking at the metering about four peak because I don't want to overcompress the vocals. And then following that, I'll do a deesser.
And this is, again, just taming some of that 4k. I'm adding the air all the way up. I love that.
And then I have the mix dialed down on this. And then I will use a waves compressor overall, just to give a little bit more glue to the vocals. And this is kind of what I'm using at the end of the day, for my overall kind of output level on that vocal bus.
And then I'll do a limiter. So this is just pretty standard. I'm not doing too much with it.
It's just more volume adjustment. And then we'll get into some effects and reverbs that I like to use. So I'm a huge fan of the UAD lexicon.
So this is a reverb that's pretty intricate. It's kind of in depth, but it really sounds like the vintage lexicon units. So I love this one.
I've made my own presets in here, which if anybody has the plugin, I can give you the presets that I have, so feel free to ask for those. And then everybody probably knows this plugin already. Valhalla.
This is, like, one of the most popular ones, but these are the type of settings I like to use on there for more of a kind of a big haul. I always do a lot of low cutting if this is for more of a brighter mix. But usually I'll probably cut even more highs up to, like, maybe five, six k.
And then for delays, I use echo boy, and I usually would side chain this into a compressor. But, yeah, this is, like, a very standard setting for me. It's kind of my go to recording setting.
It's just a quarter note feedback. Pretty low. You could put this directly on the track, or I use it as a send usually.
And then for drums, I do a parallel drum compression. So this means I'm sending all the drum signals to this compressor right here. And this gives you that really fat sound.
Kind of makes the drums feel a little dirty sometimes. Stuff like that is really fun to do. Cool.
And does anybody have any questions on anything I just showed there from effects to drum compression? Hey, yeah, I have a question. So what kind of settings do you use on your new 33 six nine for the parallel compression on drums? Actually, the settings that you see right here are settings that I pulled directly from a mix I just did yesterday. So this is kind of where I have it here.
So I'm, like, really not doing a crazy ratio. As you can see. It's one to five gain isn't doing too much.
But I do have my sends from the drum for the parallel compression. I have them all the way up. And so then I'm doing more control with this knee here, and I have them linked.
So, yeah, there's nothing too crazy happening here. Threshold is up a bit just to get the needle moving, but I don't ever go past four with this. Otherwise it starts to flatten out the dynamics of the drums.
Anybody have any other questions on? That's cool? So then we'll get to, like a master fader. So these are some things that I like to put on there. I usually always do this on my master channel.
I use this not so much as a compressor, but kind of more of a limiter. So I have it on a 30. The ratio is on ten.
And I'm just using it more of output with no threshold. So really the needle is not doing much. I'm just using this as output to kind of push into the God particle.
This is Jason Joshua's plugin. It's fairly new, but I've been using all my mixes. It makes everything feel really wide.
And it has its built in limiter, which I'm using. And it has a little bit of eQ, if you feel like, you know, less highs or mids. But just turning it on and off, it does so much, makes the mix feel like this to.
It's kind of, kind of does the same thing as what ozone would do, which is the next plugin that I would use. I don't use this for limiters usually, but on this mix I did. But I usually use it for the vintage tape or the compression and then sometimes to make the mix feel more wide.
So has anybody used any of these plugins before? Yeah, I love ozone. Yeah, ozone's great. Have you tried Jason Joshua's plugin, this God particle at all? No, but I will this afternoon.
I just wrote it down to get it. So thank you. Yeah, you should.
And I'll send. You guys are going to get a copy of this so you guys can refer to it anytime. But yeah, I just wanted to give you guys some plugins that I love to use.
I mean, these are in my daily flow, especially when I'mixing and everything is in order the way that I would use it. So try it and then also do your

 own thing. Try to maybe say, okay, well, he does it this way.
What happens if I put the compressor above the EQ here and see what it does? Because it'll change. Sorry, I was just going to ask, are we going to get this deck beside this PDF? Yeah, of course. Thank you.
Yeah, I made it for you guys. And then what were you going to ask? I was just going to ask, do you do anything with your channel faders? I've been hearing some people don't really touch them, but I was just curious on like as far as in which faders, like for volume and stuff. Yeah, absolutely.
Okay. Yeah, no, I do my mix. I get the overall mix going and I'm like, okay, I like the background sitting here.
Sometimes I will adjust those volumes with compression like the r compressor that I showed showed you. I'll use the output to turn it down sometimes there. The reason why I do that is because I have automation usually on my channels.
So once you have automation, the fader, you can't just turn it down anymore. It's just going to move up and down. So it just depends if you're doing automation or not really.
And I can show some kind of examples of that. So let me share this. Okay, perfect.
For example, I have my all vocal bus right here. And so I did some automation there. So if I try to turn down this fader, as soon as I hit play, it snaps back to one.
So then I would just come here and be like, you know what, the vocals are loud. I'm going to turn it down here instead. But if I didn't have automation then yeah, I would probably just use the faders.
So then I would just get rid of automation here and then turn it down and it'll stay. So that's a really good case to kind of show when I would use faders or not. Right? Yeah.
Thank you. That was helpful. Sorry.
Yeah, go for it. Another question. I was on your master feeder with the difference between the God particle and ozone.
I'm sorry, can you explain the difference again, as far as why when you use one or the other, really, I don't ever really send ozone to mastering engine. So if I'm going to have it mastered, I don't really use ozone. That's kind of more of like my.
I kind of use that for more just like width for vocals. But the God particle I would then use more for kind of the limiting. As you can see right here, I'm doing the limiter at three.
And then I'm using it mainly for this here. Because this button in this dial makes the mix feel, like, colorful and bright and stuff. So they do two different things.
But on this ozone, I'm really just using it for a little bit of compression, as you can see here. So you have more control of the ozone. But this is kind of a one button.
Does it all? Yeah, it just depends. Like this mix. I'm not even using this stuff.
I'm really just using ozone. So it just really depends on my day and kind of what I'm into. But the main difference is ozone has so much stuff to it, you can add all of this.
So it just depends how much control. But I don't want people to rely on putting ozone on your master fader. Because if you turn it off, say you're mixing into it, and then you turn it off and you give it to the mastery engineer, your mix is not going to sound the way you thought it did.
So I recommend mixing with nothing on your master and making it sound good with your channels and your buses and then turning on stuff later to check your mix and then turn it off. And then when you're done with your mix and you love the way it sounds completely, that's when I start adding stuff. It is okay to mix into compression.
I've never had an issue with this because this is really not doing much. It's just sometimes I use this just to match the level of the reference mix. So that way I can tell where everything is sitting at a true level.
But, yeah, try to keep that in mind. Don't mix into ozone. Put it on after you're done mixing.
Thank you. And usually the order I would do it if I'm using the DOD particle and the SSL compressor. Together, I would do it in this order so it would be sSl first, and then I push that level into the limiter here into the God particle.
So that's just the way that I've always done it. So it sounds good, though. You guys should try it out.
I really love this plugin, but yeah, so you can see here on my all vocal bus. Like, for this mix, I didn't even use everything. I just honestly used only the SSL channel and the distressor.
And so feel free to keep adding if you think the mix needs it. And I do a little bit on each one, so I'm not going to try to get all of my eq done on this. I also have eqs directly on the tracks, so try not to do too much to your vocal bus.
Think of the vocal bus as kind of just adding whatever your mix is missing. So if there's any harshness, try to get rid of that on your audio tracks. That's the way that I've always found to get the best quality and the best tone.
And then just using this to really kind of boost or take out one little thing overall that I hear in the mix. But doing too much on your vocal bus, if you have your backgrounds boosting and you take too much out here, then you're going to feel like, dang, everything I did before, I got to redo now. So just try to do EQ on your vocal bus lightly.
Don't do too much. Same with compression. It's more of a flavor thing.
But this is the one I showed you guys in that picture. I'm really not doing much input at all for the vocals. I was kind of curious on the vocal bus.
So you put all the backgrounds and the leads to that all vocal bus? I do. So this is the final bus. So, like, for example, my leads will go directly to it, right.
So as you can see, this lead vocal is going directly to the vocal bus down here. The backgrounds are all going out to their own bus, but then they are also bust back to that all vocal bus here. So the reason I do that is so I can do a little bit more treatment to the backgrounds and not mess with the leads at the same time.
So this helps me keep the backgrounds out of the way of the leads, but also making them present and bright and feeling like they're still there. But it just gives me more control. And then I can automate and I can turn down just the backgrounds without affecting anything.
Use my backgrounds, go to the background vocal bus, and then from the background vocal bus to the all vocal bus where they meet the leads on these backgrounds. Right now I'm doing this. I got a little focus right EQ, it's an r compressor, which is again compressing very lightly.
And then I'm doing this again to kind of boost a little bit of highs at twelve k. And then on those, I'm actually putting a reverb directly on there as well to make those feel really spatial. And doing high low cuts, not as much mix because it's directly on the track.
And then I will do this for overall level, mainly because I'm going to do automation on this mix today. So this is where I'm going to control the overall level after I do my automation. So these are the ways that I kind of make up and add and do gain and deduct things like that.
Everything meets to all vocal bus, even my parallel compression. So this is my parallel compression right here. This also goes to all vocal bus.
And I'm sending to that from the actual audio tracks themselves. This is kind of where I'm doing more. So on the parallel compression, I will boost some highs, kind of make it feel dirty, but then I'll take out a lot of those really harsh frequencies because I'm adding it to my vocal.
So then I'm going to take out a lot of the harsh stuff. A c six doing the same type of thing, compressing a lot of the harshness. As you can see.
I'm taking it out here and really compressing it. And then I'll do another EQ just to kind of tame some stuff that the compression may have brought more into. So, yeah, I mean, you can keep adding plugins and adding plugins behind things.
It's just be mindful of how much you use them. So I don't use one plugin for everything. As you can see, I have two of the same eqs going.
One of them is doing boosting and one of them is just really just getting rid of a little bit of harshness. Does that make sense to everybody? Yeah, no, it's a lot. I'm trying to cram a lot in and just.
I don't have much time today, so I want to try to get as much I can in with you guys. Sorry, Thomas, in this case, go for it, man. If you were to put the outtune, you put the altitude on every single track on all vocal.
I do. So normally I put my autotune first. Okay.
But I got this session. This is actually a session I got from the guys. So when I get, I just kind of leave what they had and I reroute their tracks.
But in this case, they put it on the third insert. It doesn't matter where you put it. You could put it first, last second, but I usually put them first because I group them all together.
And so I like to be able to change all the settings with one click and be able to just control one, and it changes all of them. That's kind of my method. But as you can see here, even on this track, they have it on the fourth insert for some reason.
So it's like they have it on the third and then the fourth, so it doesn't really matter. Okay. But what does matter is how if you have compression before EQ or if EQ before compression, because sometimes you'll see how much it changes.
So I like to boost some highs and then put a compressor behind it so then I can kind of crush the highs that I just boosted. Because sometimes when you compress, your vocal starts to feel like if you do a lot of heavy compression, it starts to feel kind of dull. Right.
So if you're boosting before it, then when you do that nice compression, it doesn't feel as dull because you're just kind of coming down on some of the high boosting that I did. But, yeah, try it. Try different orders of plugins, because it does change your sound.
It's very important to try. And I do it all the time. I'll just start moving stuff around.
I'm like, oh, wait, that actually feels cleaner doing it that way. Yeah. Thank you.
And then about melodyne, you prefer make pitch correction before the old chain. Yeah. So if I'm melodyning, for example, I'm turning off autotune, and then melodyne is now built into protool.
So then I would just put Melodyne on. But if you don't have it built in, then I would just put it on the first insert here. I would do it like this, for example.
Let's see. Is this the bridge? So I would put it first, and the reason why I would do Melodyne first is because then what I do is I can commit it up to that insert and not commit all the other processing and all the effects that I did. So it'll only commit just that Melodyne.
In that case, I will then put autotune after Melodyne just to test it. Because at the end of the day, I'm going to put autotune back on my tune vocal, and I'm going to put it on. When I put it back on.
I'm not going to put it at like twelve or 15 retune speed. I'm going to have it at like 50 or 60. And at that point I'm just using auto tune just for a little bit of that tune effect that everybody's used to.
And then any little imperfection that maybe I missed, it'll catch up with the tune and stuff. Okay. Yeah.
But in mixing. Thank you. Most of the time I don't have to Melodyne.
Usually that's done by the producer before going to mixing because they want control with the artist to get the tuning right and stuff. But there is times where people ask me to Meldine and mixing and sometimes I'll do it on my own just because I'm like, yeah, this one note is really rubbing me weird. But if I do it, that's how I do it.
Thank you. Thomas, are you in pro tools or what software are you running? I'm in Ableton. Okay, cool.
Yes. I mean, you can take all of this and put it in any mean, just take this type of flow and just take it to whatever you guys are, you know, unless you're in Fl. I'm not sure how it works in there.
Yeah, I don't have the option. Commit in blatant. I have to freeze the old track and then.
Oh, yeah, it makes sense. That's fine, though. But yeah, I mean, otherwise you can just have Melodyne on a track, bring the audio down, do that, and that can just be your tuning track.
Right. But yeah. Does anybody have any kind of questions? I mean, you can ask.
Feel free to ask anything about any questions you have on mixing or anything in this session. Use reference tracks ever. And how do you use that? I have one right here, actually.
So there's a plugin from Plugin alliance. That's an AB plugin. So you can actually put that on your master fader if you want to.
And then you can import your reference, and then your mix will be a, and then when you hit b, it'll play the reference and you can just toggle back and forth. That's a cool way, if you don't have a studio to work in, that you can send outputs to. Because what I do is I actually send this out, five and six outputs and I put it on an external in the studio.
So then I just keep toggling back and forth from the control in the room. So I'm just like, hey, my mix, this mix, my mix, this mix. And I just go back and forth.
Otherwise you can just mute the track. And then when you want to listen to this one, then just solo it and then just keep it going back and forth like that. But yes, I never mix without a reference.
I won't even start unless I have the reference. I guess the reference track changes depending on what kind of song you're putting together. Well, no, this reference is actually this song.
Okay. It's this mix. And then, yeah, of course, whatever vibe I'm hearing.
Yeah, I'll go to Spotify, itunes or whatever, and I'll listen to stuff that I feel like it's in that world just to make sure that my mix is responding well. And then I can relate it to the other tracks on Spotify and stuff. But as far as mean, it's always good to make sure you have this reference of the song.
You are actually mixing the way that the producer and artist have been sitting with it. Because what's going to happen is if you don't have that and you're not following that as kind of a guide, they're going to be like, hey, what happened to the synths? They're so quiet. Or what happened to my delay? And it's like, oh, I didn't even see those in the session.
I must not got those files. So it's also good to listen to that to make sure you have every element. So then they're going to think you're just muting stuff in your mix and they're going to be like, what happened, man? Okay.
Yeah. So I use that to make sure I'm not getting too far away because people have demoitis these days. Yeah.
So that's kind of how I do it. Does anybody else have any questions? What are some things that you all feel like you struggle with the most in a mix? I think just for me, because I'm just kind of, like, learning, but I think knowing where to start and making certain choices. And I've noticed a difference between mixing styles.
Like, sometimes people approach mixes as, like, an engineer, and then there's more creative mixing where it kind of involves, I guess maybe it's part of production, I don't know, but I think I always want to probably lean towards that and just trying to understand how to make those happen, I guess, like, those kind of moments that are really special. The creative mixing, we do get that stuff, and that is kind of part of mixing is to bring stuff to life. And, yeah, there's stuff that I do that wasn't in the mix, which I want to do videos like that as well, but, like, doing delay throws and stuff.
And sometimes to get that type of feeling. That's why I'll throw the reverb directly on the track and not do a send because it makes it kind of more feel like more stereo and you can make it more affected. So try doing stuff like that.
And then try taking a piece of a vocal, like maybe the end of a sentence, turning that way down, and then doing a delay throw, for example. I know you guys can't really hear anything right now, but say I duplicate this track, right? And say I want to do a delay on the n word. I will then just grab this here.
I will turn this, like, way down because it's going to be loud otherwise. And then you can just go and say, you know what, let's just put on an echo, boy, right? And then you can turn the mix all the way up. If you want.
You can do a little feedback. Let's say we want to do, like, a quarter note. I always just make sure it's fitting the tempo, which is great.
And then when you play this back, you're going to have a delay right there only. So I just play just this. And then you can add and just keep adding more feedback to it and stuff like that.
But you can literally just take the n word and it'll just be like a cool throw. And then maybe try experimenting. It's like, you know what? That's a cool effect.
Now I'm going to just crush the reverb on it. So these are the kind of the creative stuff, right? And then you're like, you know what? That's still not enough vibe for me. So then maybe you should be like, you know what? Let's get rid of this EQ and let's do, like, a fab filter EQ, and let's just go find a cool setting, like maybe a phone effect.
So now you have a telephone delay throw with a ton of reverb on it. And that's, like, a creative kind of thing right there. So that stuff happens in mixing all the time.
I get that request all the time, but these are, like, little creative choices. Maybe do that type of thing with background vocals. Don't do delay, but maybe just drench it and put, like, the telephono vocal effect on it for one of your harmonies.
That's always fun to do, especially, like, the belty ones. Sometimes I'll just kind of really close in on the EQ, like this. Maybe a little bit more width and something like that, but do that for your ad libs and see how it sounds and then throw a ton of reverb on it.
So those are, like, creative things. But as far as where to start in a mix, usually what I do is I just kind of sit there and listen to what the song is and feel out the weakest points. And if I feel like the vocals are really weak, then I'll just start with that.
But I just try to pick out the weakest part of the song and make it sound good. And I just do that step by step until I feel like I'm done with the mix. But sometimes I start with the drums, then sometimes I go straight to vocals.
Sometimes I mess with just the music, only. I don't know, it just depends how I'm feeling that day. But there's no right way to start a mix.
Just start and just keep flowing with it and be creative. Hey, I got a question. Yes.
Sort of about the opposite end of it, which is when you're finishing up how it relates to mastering. So I know that you want to leave like three to six db of headroom. Yes.
I think when they say that that means in relation to the roughly 14 lufs, that's like the streaming standard. But, for example, how does this relate to dynamic range in a song? So even a fully mastered track, the loudest part will be, I don't know, three to five luffs, I think, louder than the quieter verses, even for a pop song. So if you're sending a finished mix to a master, do you want the same relative dynamic range, or is it okay if there's more dynamic? No, what I do is, because if you do that, your song is going to feel, like, super linear.
It's not going to have the dynamics to it. So what I do is I look for my true peak value. And to be honest with you, I stopped using meters and stuff like that.
I just listen to it and I just make sure I leave enough headroom. And what I'll do is I'll leave three and that's it. I don't leave, like, three to five.
I just make sure I try to leave around three peak. So if it's a little less than that, that's fine. And sometimes, I'm not going to lie, I love the way the mix sounds.
And when I turn it down, I'm like, I don't want to give them too much room to mess with stuff, so I'll actually send it to them with like, two db. And then the mastery engineers never say anything, they just master it. But, yeah, I wouldn't worry too much about that unless you're getting more into the Dolby Atmos.
Because if you don't have your Dolby mix turned in at -18 if it's like a 10th of a decibel over that, the labels will reject your mix. They won't even listen to it. Sorry, what's Dolby Atmos? Yeah, like, when you're mixing in like, the surround sound and stuff.
That's where it's really important. But for this, as long as you're not crushing. And you have just a little bit of headroom on your master with.
The way I get headroom is I mix everything. I don't even worry about my master meter until I'm done mixing. Because then if you start worrying about levels too much.
You're not really just being creative and flowing with the mix. So what I like to do is then I worry about it later. I'll send everything to subgroups like vcas.
So I'll have my music, I'll have my vocals. And then I would just group those two VCA faders together. And just bring them down until I have a true peak of three db of, basically, headroom on the master fader.
I send it with SSL on there. And the only thing I do is I turn off the limiter. And then usually this will give me a little bit of headroom.
And then I'll just bring down the subgroups that I made. Just to give a little bit more if I need more. But yeah, just don't send it with limiting on there because that's what they're going to do.
But you can definitely leave a little bit of compression. If you're using ozone without a limiter. You can leave that on your master, too.
Even if it's just compression and stuff. But just make sure your limiters are off. Because that's the one thing they're going to say that they'll notice it's limited.
Sounds good. And then you don't worry about the true peaks of the verse section. That's quieter.
You just worry about. I don't know. And what I'll do though, is to make sure the verses are feeling like they're the same level then.
Yeah, I'll pull up like a waves meter or something. Just to make sure that the peak of the first verse is hitting about the same as the second. So that way the mix feels balanced.
Like when you come back to the second verse, it's not much louder. But usually that's something I do by ear. I tend to feel like I'm losing my creativity, when I'm just sitting there worrying about the meters too much, and I listen to things more, and that's kind of what I like to bring to a mix.
And I feel like it brings more of that kind of raw human feel, and it's not so just calculated across the board. And that's why when I'm doing automation, I'll literally close my eyes and I don't know if I can pull this up. I use this type of stuff.
Can you guys see this? It's like a fader. It's like, basically a fader port. But what I'll do is I'll literally just loop a verse and just close my eyes and just ride the vocal to the beat.
Just to put feeling and follow the vocalist and just really go with the energy and come down. When the energy comes down, it really makes the song feel like it's just kind of, like, flowing and it has a wave to it. Sounds good.
Yeah, of course. Yeah. Do you guys have any other questions on this stuff? I have a question that's kind of adding on to what you were just saying about riding the vocal.
Yes. Would you gain stage a vocal so that it's relatively flat dynamically and then ride it with the fader to be more intentional with where you're taking the energy of the vocal? And so what you're asking basically, like, how this looks bigger than this section compared to here. Exactly.
Yes. As you can see, I actually did that already. And I'm going by ear, not, don't look at it and be like, oh, that vocal is obviously louder.
Well, it's supposed to be if you listen to the character that she's putting into this. Right. But I turned this up to where I felt like it was good.
And then what I would do today is then I would do the automation and just ride automation underneath it. But, yeah, to answer your question, like, this part was super quiet. I boosted it at six db because if it's back to where it was here, it was, like, super quiet.
So, yeah, I'll go through it and I'll just sit there and really get, like, a rough kind of balancing, and then I'll do the automation. Otherwise, I'm just going to make up for it with automation. So really, you could do it however you want.
But I do find it easier to kind of stay in the groove when the track is more kind of balanced out. I'm curious, though, are you concerned about driving the vocal into the effects too hard from the initial signal? You know what I mean? Pre effects. Are you concerned about having something much higher up in gain than a different part? Like one waveform is 60 be higher? No.
You don't care. Yeah, not really, because I can also automate my reverb send as well. So my verb right here, if I feel like I love where the vocal is sitting there, but maybe she belts a little too much, or if it's a rap vocal, she's like doing an ad lib that's too high or something.
But I like the level of it. But the reverb is a little much then. Yeah.
I would just literally just automate just the verb send. Turn that down a little bit. But usually with my effects, I kind of have them set where I like them overall.
And then on the actual reverb bus itself, I'll do automation as well. So then I can do delay, like reverb throws and stuff. And maybe one part has a lot of reverb on it, but I'll do the same thing.
I'll automate this right here, grab this fader, and just turn on the automation and do it on the reverb as well. Same with delayed. Yeah.
So you just got to get creative and just think outside of the box a little bit more all the time. I'll do automation on compressors too. You can literally automate the gain here.
You can automate how much compression. So I'll do that like this as well, and automate this knob. There's so many things you can do, it's just endless.
And so I'm always trying new stuff. I don't ever go to the same way every time. I do have a template that I start in and I have a mixing template versus a recording template.
All that has is like my parallel compression set up. It has my vocal compression set up. So what I do then is I just route all the drums I just imported directly to those, and usually they're set at a decent level where it's like, oh, this is already sounding pretty good.
But then I just tweak from there and I'm like, you know what? Today I'm going to try this plugin. Let me see what this plugin does. And I just learn a new plugin every day or something.
Yeah, I love the openness. That's great. Yeah.
I don't know, because it's not just the one way to do it. Sometimes I want to add saturation. I want to find a cooler plugin that I've never done before.
It's just to try to bring a new tone to my mixes and not just sound like the same every day. So I don't know, it's experiment. I think that's my most fun part, is just trying stuff and it's like, oh, that sucked.
Or that was dope. Yeah, it's fun. Love it.
Thanks. Yeah, of course. But then we can actually.
I want to do something. So what we need to do is I'm going to make a document of how to set up audio movers. And then I would like, before I do the next workshop for you guys to test it out and to understand how it works so it's easier.
So we're not spending half of the workshop just trying to get everybody set up with audio movers. But then we can do kind of a live mixing where I can actually start a song from scratch. And then you can just kind of watch me use the plugins and how I set it up.
And so everything we just talked about and then the plugins, I'm going to send you in that pdf. You'll see me actually use those. So I think that would be fun.
We just got to figure out how to get everybody on audio movers without taking up too much time. Yeah, that'd be great. Yeah, that'd be really fun.
Then we'll stop like every 15 minutes or something and do questions about what I was doing. I'll do drums and then show you what I did. We could talk about it, stuff like that.
I think that would be fun. So if there's any request, things that you guys have been wanting to learn or how do you get the sound? Think about it, write it down and we could try to cover it in a live mixing situation. Does everybody have any last questions before.
I got to get ready for this session coming up here? Yeah, I got a question. Yeah, what's up, man? So you master tracks personally, right? I don't master. I use Chris Athens to master all my stuff.
But if I do master, I would just use the things I showed you, ozone and SSL and the God particle or something. But that's not really my lane. Okay, well, I had a question because everybody says that -14 lufs is where you want it.
That's for when you're limiting it. Right? Like the last step, but that's really quiet when you compare it to other songs that already are on Spotify. Yeah, I think that's kind of like.
So this has kind of been a thing for years and years where there's like a loudness war from generations. I feel like. But I feel like -14 is kind of like a standard number, but I'm pretty sure a lot of these mixes I hear out there, man, are much louder than that because not everybody gets it professionally mastered.
They do it themselves. I just think as long as you're around the ballpark, what I would do is just reference stuff that's online already and just kind of. Just kind of keep it around there.
I mean, you can even measure kind of like take a song that you have from somewhere and see where they ended up with their number because it might not be -14 import, like a fully mastered record already. Yeah, just see, because I feel like it really changes. That is more of a mastering question, but I do feel like it changes quite often.
I swear there's some songs that are blowing past that. Yeah, okay, I see. Thank you.
Yeah, of course. Anybody else have anything else? Oh, I do have one more question. Yeah, go for it, man.
Well, if you do master a track, do you master it in the same project file, or do you go to a separate one? It does not matter. Actually, if I have the mix session, I'll honestly do it in here, just because sometimes when I start doing the mastering Jane and things, I'm like, oh, actually, it'd be cool if the bass comes up just a little bit versus doing it with EQ. If I have the session files, might as well just do it in the session and then just make sure I'm hitting this nicely at the end.
Yeah, that's kind of how I would do it. I know when I send it to mastering, I give them just the 24 bit 48k wave file and then they do their thing from there. But, yeah, I usually get the M fit file as well from mastering, which is like the music.
Like, this is the master for iTunes and all streaming services. But basically what it does is that they keep the quality of the file there, but they compress it more. So that way when you give it to Spotify or iTunes, they don't compress your mix even more.
So that way, you know exactly what your song is going to sound like on all the streaming. So if you ever get a professional master, I would definitely ask for the m fit. It'll just keep your mix true to what has always been.
Okay, cool. Thanks. Yeah.
Of perfect. Well, awesome. So what I'll do is I will give Danny, you guys will have this video of Zoom and a PDF, and then we'll coordinate the audio movers docs you guys can go through and get that set up and installed on your end, even if you don't have to have installed, but just at least look it up and figure out how to get linked.
And I'll try to do a step by step form on that. So what we can do is we can do a live mix, like a 1 hour thing. But I would like to start right at eleven and work a mix the whole time till twelve.
So you guys get the most out of it. I don't want to spend any time doing audio movers, so I would look that up and just see what you have to do on your browser. You're probably going to need Google Chrome or Firefox.
And if we get all everybody on board with that, we can do a live mixing workshop. Perfect. So, any last questions? I got to get out here in about 5 minutes.
Thanks so much for your time. No, of course. Yeah.
Thank you. Thank you very much. Yes, we love to see here if you guys put any of this stuff to use and if it was helpful and if you tried any of these plugins that I sent and then in the orders, I'm doing them in.
Yeah, I'm curious to see your feedback on that stuff. Awesome. Well, I'll let you guys get to it and I will see you guys next week.
Sounds good. Thanks, Tom. Yes, of course.
Have a good one. You too. All right, bye.